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Nuestras películas de 2018

26/12/2018

El hecho de que esa especie llamado ‘blockbuster veraniego’ continúe en extinción y la sequía de títulos importantes durante el periodo estival sea tan prolongada pueda distorsionar nuestra visión general, pero cuando hemos echado la vista atrás para elegir las 15 películas que más nos han gustado de 2018 (insistimos, no necesariamente las mejores), nos hemos dado cuenta de que este año ha sido uno de los más espectaculares en cuanto a calidad desde que este vuestro Cadillac aparcó en vuestras pantallas. La avalancha de grandes obras estrenadas tanto a principios de año como en sus últimos meses ha deparado una igualdad poca veces vista en nuestra votación, con multitud de filmes optando a meterse en nuestra selección definitiva.

Nos congratula especialmente haber podido reflejar en la lista la tremenda variedad de géneros, procedencias y ambiciones comerciales del mejor cine que se ha concitado este año ante las pantallas de cine y, sí, también a través de plataformas de ‘streaming’ como Netflix, que se ha consolidado definitivamente, tras muchos años intentándolo, como una potencia cinematográfica de primer orden, colocando dos de sus más grandes apuestas entre nuestras favoritas. No faltan en la selección varios de nuestros cineastas favoritos de siempre, pero es especialmente esperanzador que también haya unos cuantos que se han posicionado ya muy cerca de ese escalón más alto y aparezcan otros novísimos que no dudamos que nos darán muchas alegrías en años venideros. Del cine independiente americano al de superhéroes más taquillero, del drama más intimista al terror más espeluznante, de la animación al blanco y negro, de Polonia a México  pasando por Italia, Francia y, como no, el cine español menos previsible, todo está comprendido en nuestro ‘greatests hits’ particular del año que nos deja. Os dejamos con nuestro veredicto, no sin antes invitaros a que -al igual que os ofrecimos en nuestra lista de series-  ejerzáis de jurado y elijáis vuestra película predilecta de 2018 en la encuesta que aparecerá inmediatamente debajo de nuestras elegidas. ¡Esperamos vuestras opiniones!

1. TRES ANUNCIOS EN LAS AFUERAS – Martin McDonagh

“Escondidos en Brujas” y “Siete psicópatas” ya nos habían advertido de que convenía seguirle la pista al anglo-irlandés Martin McDonagh. Intuíamos que a ese aplicado alumno del cine de autor americano que va de los Coen a Tarantino sólo le faltaba moldear su propia voz para consagrarse, y vaya si lo ha conseguido con su tercera película, “Tres anuncios en las afueras”, un filme que se antoja más necesario que nunca en estos tiempos de Trump y extremismos bárbaros. Enmarcado en una pequeña comunidad del Medio Oeste estadounidense (Ebbing, Missouri), este cóctel molotov que mezcla drama rural, thriller sureño y comedia negra utiliza como mecha la violación y asesinato sin resolver de una adolescente para hacer detonar una áspera historia de violencia, venganza y, en última instancia, esperanza; recorrida por giros de guión inesperados, arriesgados hachazos tonales (incluso en una misma escena), diálogos afilados como cuchillas y un sentido del humor amargo y melancólico. Y por si un guión de hierro y una dirección perfectamente ajustada no bastasen, al frente del elenco está una sensacional y carismática Frances McDormand como cabreadísima madre coraje, capaz de transmitir brutalidad cómica y fragilidad atormentada con la misma facilidad con la que Sam Rockwell borda a su agente de policía racista, violento y de pocas luces. Nuestra crítica, aquí.

2. ROMA – Alfonso Cuarón

Poco puede decirse a estas alturas de “Roma” que no se haya dicho. Porque se ha dicho de todo, para bien y para mal. Sin embargo, algunos de los miembros del Cadillac nos hemos enamorado perdidamente de la última cinta de Alfonso Cuarón, a la que ha sido más fácil tener acceso gracias a Netflix que a la gran pantalla, ya que, en España, escasos cines la han proyectado. Sostenemos sin miramientos que esta es una de las obras más cuidadas y mimadas del año, además de un auténtico fenómeno cinematográfico a todos los niveles. Y no es para menos. Además de estar ante un ejercicio de dirección apabullante, resulta un gozo dejarse llevar por la historia de Cleo y por esa carta de amor a las mujeres que lo criaron que nos regala Cuarón. Un retrato emplazado en los setenta y rodado en blanco y negro donde cada escena es un escaparate al conflicto social, las revueltas políticas, la vida familiar, la cultura y las jerarquías. Un filme impregnado de belleza.

3. COLD WAR – Pawel Pawlikowski

Ya nos había gustado “Ida” (2013), la oscarizada revelación internacional del polaco Pawel Pawlikowski, y esperábamos con ganas su nueva película, pero no estábamos preparados para tamaño salto exponencial. Pawlikowski se aleja de la frialdad expositiva de su anterior obra para, con el mismo rigor, apostar por una pasión volcánica que, sin embargo, se intuye más que se muestra y resulta por ello más poderosa. En un esplendoroso blanco y negro, asistimos con la emoción a flor de piel a la larga, convulsa, plena de recovecos y nada evidente historia de amor entre el director de orquesta Wiktor Warski y la cantante Zula Lichon a lo largo de las décadas, marcada por la evolución histórica de la Polonia comunista. Sin embargo, es el bohemio París de los 50, aquel de los clubes de jazz, el auge de la ‘chanson’ y los inicios del rock’n’roll, el que acoge algunos de los mejores momentos de un filme que, además, no puede concluir mejor. “Cold War” es toda una lección de dirección de Pawlikowski y la revelación absoluta de una actriz tan torrencial como Joanna Kulig, pero, sobre todo, una historia de amor atemporal y eterna. ¿La “Casablanca” del siglo XXI?

4. ISLA DE PERROS – Wes Anderson

Que un título de ‘stop-motion’ pueda contar con más de 15 estrellas de primerísimo orden (Frances McDormand, Bryan Cranston, Scarlett Johansson, Edward Norton, Tilda Swinton, Greta Gerwig, Bill Murray… ¡y hasta la propia Yoko Ono!) es, a día de hoy, algo que sólo está al alcance de una producción comandada por Wes Anderson. Nueve años después de Fantástico Mr. Fox, Anderson retoma la misma técnica de animación clásica combinada con su admiración por Kurosawa para relatar una historia acerca del exilio de perros enfermos a una isla abandonada, vehículo para contarnos algo tan emotivo y simple como un niño y su perro, tan complejo como un país llevado al límite, tan profundo como los derechos de los animales en nuestra sociedad actual y tan loco como las batallas entre perros y robots. Una película que, con su exquisita animación, refuerza esta técnica como medio para contar cualquier historia independientemente del género al que pertenezca e incrementa aún más la admiración de todos nosotros por Wes Anderson; salvo (quizás) los que tengan un gato en casa. Nuestra crítica completa, aquí.

5. VENGADORES: INFINITY WAR – Anthony y Joe Russo

El plan maestro de Marvel no tienen parangón en la historia del cine. Diez años y dieciocho títulos que confluyen en el final de la denominada Fase III compuesto por la presente “Avengers: Infinity War” y la inminente “Avengers: Endgame”. Sólo dos detalles se escaparon al plan maestro: el (inesperado) acuerdo con Sony sobre los derechos de Spiderman (que obligó a trasladar las fechas de algunos estrenos para hacer hueco al trepamuros) y el triste fallecimiento del maestro Stan Lee antes de finalizar la producción de esta tercera fase del MCU. Todo lo demás ha funcionado con una precisión milimétrica, desembocando en el mayor espectáculo de superheroes visto en una sala de cine. Todo en ella es de proporciones titánicas. Dimensiones necesarias para dar cabida a treinta superheroes en tres horas de metraje; la gran mayoría de ellos ya con películas propias. Y este es precisamente uno de los dos factores de éxito de “Infinity War”: la ausencia de protagonistas permite que todos ellos sean prescindibles. El otro factor tiene nombre propio: Thanos, un villano excepcionalmente poderoso y con la convicción necesaria para reducir a cenizas a la mitad del universo. Aún así, afortunadamente todavía quedaremos vivos muchos fans de Marvel. Nuestra crítica completa, aquí

6. LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS – Joel y Ethan Coen

A pesar de los múltiples puntos amarillos que adornan a “La balada de Buster Scruggs” en las críticas profesionales de Filmaffinity, en el Cadillac Negro no disfrutábamos tanto de un filme de los hermanos Coen desde “No es país para viejos”, y eso que en realidad nunca hemos dejado de gozar con ellos. Porque estos seis relatos ambientados en la frontera americana (y que en principio iban a conformar una miniserie) se paladean como un añejo libro de fábulas del viejo Oeste en el que encontramos los distintos tonos, humores y modalidades que han jalonado su filmografía, servidos desde la equilibrada madurez de su presente creativo. “La balada de Buster Scruggs” comienza como un extravagante cartoon de comedia surrealista y luego va mutando hacia el drama de lírica taciturna y pausada más reconocible en su obra de madurez; aunque, en el fondo, lo que no cambia es esa mirada pesimista imbuida de irónico nihilismo ante el absurdo de la vida que siempre ha caracterizado sus mejores películas. Podéis releer un análisis más pormenorizado de sus seis episodios aquí.

7. EL HILO INVISIBLE – Paul Thomas Anderson

El extremo riesgo tomado con “Puro vicio” (2014) había granjeado al hasta entonces inmaculado Paul Thomas Anderson el amor eterno de sus seguidores más irredentos pero también el rechazo de muchos más admiradores, que pusieron por primera vez en cuarentena su fervor por el cineasta californiano. Menos mal que, para convencer a unos y a otros, llegó este año “El hilo invisible”, una obra en la que Anderson no deja de ser exigente con su público pero en la que va proporcionando oxígeno para que casi cualquier espectador pueda disfrutarla sin problemas. Y es que sería una pena que alguien no lo hiciera, porque estamos ante otra palmaria demostración de grandeza de uno de los grandes genios del cine actual. Casi baladí parece destacar su magistral dirección -lo del baile en el hotel queda para la historia- , por lo que centraremos nuestros elogios en un guión preciso como pocos y permanentemente ‘in crescendo’ que lleva lo que parece el biopic de un modisto realizado por James Ivory a un terreno mucho más perverso y sugerente según avanza el filme, de la mano de las magníficas interpretaciones de Daniel Day-Lewis, Vicky Krieps -una de las revelaciones de 2018- y Lesley Manville y la espléndida música de Johnny Greenwood. Anderson ha vuelto a hilar muy fino.

8. CALL ME BY YOUR NAME – Luca Guadagnino

2018 ha sido, sin duda, el Año Guadagnino.  El director italiano. que ya destacó en el pasado con títulos como “Yo soy el amor” y “Cegados por el sol”, no solo protagonizó a finales de año uno de los grandes debates críticos de 2018 con su ‘remake’ de “Suspiria” sino que en sus primeros meses logró poner a casi todo el mundo de acuerdo a la hora de glosar “Call me by your name”, su esplendorosa adaptación de la novela homónima de André Aciman, con una sorprendente labor de James Ivory en el guión. Todo rezuma vida, sutileza y pasión en esta enfebrecida historia de descubrimiento de amor homosexual entre un adolescente (un Timothée Chalamet descomunal y cuyo ascenso ha sido fulgurante) y un veinteañero estudiante estadounidense (Armie Hammer) en la espléndidamente ambientada Italia de los primeros 80, Lo mejor es que “Call me by your name” no se queda solo en una historia de amor y -mediante uno de los mejores tramos finales de lo que va de década- adquiere un tono mucho más existencial, que reclama aprovechar los veranos de nuestra vida porque nos esperan muchos inviernos. Una lección de vida y una lección de cine. Así te la analizamos en su día.

9. THE FLORIDA PROJECT – Sean Baker

Pocas veces escapamos al encanto del cine independiente estadounidense en nuestras listas anuales y este año no ha sido una excepción. Sean Baker, conocido por su anterior “Tangerine”, se confirmó como un cineasta importante con “The Florida Project”, una historia tan sencilla y directa como rotunda y convincente. Gran parte de las virtudes del filme parten del excelente planteamiento que supone el situar la trama en los márgenes de Disney World, en uno de esos moteles cercanos al complejo que albergan tanto a los fans menos pudientes de Mickey como a los desheredados que buscan simplemente subsistir mediante los negocios paralelos surgidos al calor de tamaño coloso, dos mundos en definitiva absolutamente contrapuestos apenas separados por unos metros. La progresiva caída a los infiernos de Halley, la madre soltera de la pequeña Moonee (¡vaya exhibición la de Brooklynn Prince!) se va volviendo cada vez más dramática e asfixiante, pese al alivio humano que supone el personaje del Willem Dafoe más luminoso que somos capaces de recordar,  hasta que uno de los finales más mágicos que hemos disfrutado este año nos devuelve todo el oxígeno de golpe y nos hace subrayar en fosforito el nombre de Sean Baker.

10. LA FORMA DEL AGUA – Guillermo del Toro

El mexicano Guillermo del Toro conquistó definitivamente Hollywood con una historia de amor que tenía tanto de típica como de personal. Si bien “La forma del agua” podía pecar de beber demasiado de demasiados referentes y de que su historia realmente ya había sido contada, la mano de Del Toro aportaba a la cinta un virtuosismo y una belleza al alcance de muy pocos cineastas. La película estaba inundada (guiño a una de las escenas culmen) de multitud de imágenes memorables, de escenas prodigiosas y de rasgos de obra maestra. Por contra, la dudosa verosimilitud de algunas líneas de guión y el clamoroso collage de títulos ya vistos en otras ocasiones aportaron la inevitable polémica a una cinta que, si se viera con una actitud condescendiente, se podría interpretar como un homenaje a muchos de los referentes del orondo director. Sea como fuera, este grito contra la intolerancia tiene las suficientes virtudes para que todo amante del séptimo arte pueda disfrutar en uno u otro grado de su propuesta. En su día, reseñamos la cinta siendo más exigentes aquí.

11. MOST BEAUTIFUL ISLAND – Ana Asensio

En una época en la que, por bizarro que parezca, las directoras aún tienen que cruzar un bosque enzarzado para que sus trabajos tengan un mínimo de relevancia mediática, Ana Asensio dirige y protagoniza una de las mejores y más infravaloradas cintas de este año. La historia de Luciana, una inmigrante española sin papeles que lucha porque Nueva York no la devore día tras día. La película es un retrato tan orgánico del contexto que dibuja que su visionado se antoja algo tremendamente íntimo, al mismo tiempo que llega a convertirse, acercándose a su tramo final, en un auténtico thriller. Hay una sencillez que lo impregna todo en este relato de verse hasta el cuello y jugarse la vida, en esos largos silencios, en esas conversaciones manchadas de barreras lingüísticas, en esos planos que no tienen intención de brevedad porque la rutina no va con un mando a distancia donde acelerar lo más difícil. Ante unos recursos limitados, Asensio se alza como una promesa del cine con voz para contarnos lo más necesario.

12. CUSTODIA COMPARTIDA – Xavier Legrand

El impacto ha tenido en 2018 un nombre, “Custodia compartida”, y un responsable, el cineasta francés Xavier Legrand. Lo que comienza como un previsible drama social sobre un divorcio y la posterior lucha judicial por la custodia del hijo se convierte poco a poco en un desasosegante thriller sobre la violencia de género -ejemplificado en la irrespirable tensión que se desarrolla en una fiesta con acompañamiento musical de la Creedence Clearwater Revival- para derivar posteriormente en el más puro terror en un esprint final taquicárdico que obliga a permanecer sentado en la butaca incluso varios minutos después de que hayan concluido los títulos de crédito. Todo ello gracias a la mano de hierro de Legrand, otro nombre al que seguir muy de cerca desde ya- en la dirección y al excepcional trabajo de los actores, especialmente de ese portento que es Léa Drucker. La violencia machista se ha mostrado muchas veces en pantalla y, por desgracia, es previsible que siga apareciendo en el futuro, pero “Custodia compartida” marca un antes y un después y se ha convertido ya en un referente muy difícil de superar a la hora de abordar esta lacra.

13. TODOS LO SABEN – Asghar Farhadi

Es posible que “Todos lo saben” sufriera el ‘síndrome del supergrupo’, es decir, que cuando se juntan en un mismo proyecto numerosas primeras figuras se espera de él que resulte algo superlativo, como si todas esas fuerzas se sumaran. Lógicamente eso raramente sucede y esta cinta no ha sido una excepción. El iraní Asghar Farhadi, uno de los directores más reputados del mundo en la actualidad, se rodeó de la plana mayor de los actores españoles, conformando el reparto más estelar que se recuerda en lengua castellana. Desgraciadamente la suma de talentos no dio como resultado una cinta tan extraordinaria como se podía esperar, quedando al final en el sumatorio simplemente una muy buena película, que no es poco. Farhadi se empapó de la cultura española para radiografiar como pocas veces se ha conseguido el carácter y determinados comportamientos patrios. Las sobresalientes actuaciones de sus protagonistas (ellos no fallaron en la operación) daban a la cinta una innegable intensidad y verosimilitud, empezando por la pareja Penélope Cruz-Javier Bardem y terminando en la no menos espectacular Elvira Mínguez-Ramón Barea. Las expectativas no deberían dejar a “Todos lo saben” como una oportunidad perdida. Aquí hablamos más en profundidad de ella.

14. UN LUGAR TRANQUILO – John Krasinski

Si hace un año alguien nos hubiera dicho que estaríamos incluyendo entre nuestras películas predilectas de 2018 un filme de terror dirigido por el también actor John Krasinski, hubiéramos creído que nuestro interlocutor ha prolongado la fiesta de empresa durante todas las Navidades. Pero queda claro que no hay nada imposible y ahora mismo Krasinski es uno de los cineastas más cotizados de Hollywood y su “Un lugar tranquilo”, uno de las grandes éxitos-sorpresa del año y un clásico de la historia del género. Lo que parecía quedarse en un logrado ejercicio de estilo gracias a la fantástica idea de arranque de un mundo apocalíptico en el que unos monstruos ciegos pero de extraordinaria sensibilidad auditiva obliga a los pocos humanos supervivientes a permanecer en silencio para sobrevivir -lo que no deja de deparar excelentes secuencias de tensión- , tiene el gran mérito de no quedarse exclusivamente en eso e ir desgranando una profunda y nada convencional reflexión sobre lo que significa la familia. Una película completísima y con una excelente Emily Blunt…¿qué más se le puede pedir a la vida?

15. HEREDITARY – Ari Aster

Poco a poco empezamos a ver cómo el siglo XXI va estableciendo sus propios referentes en el cine de terror. “Babadook”, “It Follows”, “The Witch”, “Déjame salir”, “La invitación”…son algunos de los ilustres títulos que destacan por motivos propios…y al que “Hereditary” se suma este año de forma contundente. Contando con una espectacular Toni Collette (que vuelve a formar parte de un título de referencia en el género tras casi dos décadas desde el estreno de “El sexto sentido”), Ari Aster construye probablemente el título más demoledor de la lista concentrando sus más certeros golpes emocionales en un factor básico como es el núcleo familiar. Lo que en un principio parece que va a ser otro convencionalismo más sobre fantasmas, acaba transformado de golpe (nunca mejor dicho) en una terrorífica pesadilla sobre la desintegración de la familia, la culpa, la herencia entendida como traspaso de desordenes de una generación a otra, como transferencia de demonios no superados, como maldición. Enfermiza en el más amplio sentido de la palabra.

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